De la Universidad de Stony Brook:

Alexis Carreño recibe titulo de Doctor en Historia del Arte y Crítica en Estados Unidos

Alexis Carreño se titula de Doctor en Historia del Arte y Crítica

“Cuando me fui a Estados Unidos quería cambiar la dirección de mi carrera y por eso postulé a un programa de historia del arte. Sentía la necesidad de buscar otros rumbos, y como estaba estudiando mucho de teoría de género e historia del arte, pensé que lo ideal sería ingresar al campo teórico, dejando mi producción de obra en una especie de paréntesis”, dice Alexis Carreño, artista visual formado en la Universidad de Chile que, tras obtener una beca Fulbright, viajó a Estados Unidos para cursar el Doctorado en Historia del Arte y Crítica de la Universidad Estatal de Nueva York, Stony Brook, del que se tituló durante el mes de mayo, luego de asistir a Estados Unidos a dar su exámen de grado y aprobarlo.

Para llevar a cabos sus estudios, el artista se radicó durante cinco año en Nueva York, periodo en el que conoció la rigurosidad de la academia estadounidense, como señala al respecto: "a la ciudad de Nueva York vienen personas de todas partes del mundo a mostrar su trabajo y también a estudiar. Por eso es que la competencia es tan alta, y por lo mismo es que se espera y se exige que uno sepa todo del tema que está estudiando”.

Y ése fue el panorama con el que se encontró cuando llegó a Estados Unidos, el que poco o nada tenía que ver con su “percepción de la historia del arte, una visión mucho más poética y sin ese rigor de fuentes de información con el que allá se trabaja”, dice. Y agrega: “Yo usaba conceptos desde el psicoanálisis y desde la teoría de género sin importarme demasiado cómo los estaba mezclando en mi propia interpretación. Pero en este caso, cuando empecé a trabajar seriamente con historia del arte y teoría, me vi en la obligación de ver si estaba usando bien los conceptos, si había una base sólida que fundamentara el uso que les estaba dando”.

¿Esos conceptos seguían estando vinculados a la teoría de género o tus intereses variaron durante tu estadía en Estados Unidos?

Cambiaron mucho. En principio estaba interesado en arte latinoamericano de mujeres y de gays, pero estando en Nueva York me di cuenta de que no era eso lo que quería investigar. Fui mucho a los museos en Nueva York y ahí me vino un desencanto respecto a lo que se estaba haciendo en  arte contemporáneo, apreciación que cambió cuando empecé a ver exposiciones de diseño y de moda, que en los últimos 20 años han sido incorporadas por los museos de Estados Unidos. El diseño de objetos y de moda es un arte en sí mismo, pese a que históricamente se les ha vinculado a las artes decorativas y ornamentales.

¿Cómo se ha logrado ese cambio?

El esfuerzo de muchos curadores y la calidad del trabajo de muchos diseñadores han logrado levantar estas disciplinas que hoy cuentan con el mismo estatus artístico que las bellas artes. A ello se suma el hecho de que las artes visuales también se han abierto y han experimentado con los bordes disciplinares, lo que sucede desde hace bastante tiempo. Por ejemplo, los futuristas experimentaron con arte y moda a pricipios del siglo XX, pero por alguna razón eso no es muy conocido. Por lo mismo es que en mi investigación me enfoqué en analizar por qué y cómo se han articulado estas jerarquías entre bellas artes y artes decorativas, aunque al principio todo esto que te estoy contando fue más bien intuitivo, porque yo iba a exposiciones y me parecían mucho más interesantes en términos estéticos las de diseño de modas o de objetos.

De la Semana de la Moda al American Folk Art Museum

Cuando Alexis Carreño decidió que lo que realmente le interesaba era la historia del traje y de la moda, comenzó una pasantía en el Museo de la Moda de Nueva York, específicamente en el Departamento Educativo. “Allí estuve un año e hice de todo: desde pegar estampillas hasta hacer investigación junto a Valerie Steele, directora del museo y académica que creó el campo de los estudios de moda”, cuenta el artista sobre ese periodo que coincidió con la organización de A Queer History of Fashion: From the Closet to the Catwalk, “una gran exposición que revisó la influencia de todas las subculturas LGBTQ en la historia de la moda, desde el siglo XVIII al presente”, añade.

Así, mientras colaboraba en la investigación que en torno a esa muestra se estaba desarrollando para un sitio web, Valerie Steele y Tanya Meléndez, ésta última, curadora del Departamento Educativo del Museo, lo recomendaron como curador invitado de una exposición sobre moda que organizaría el American Folk Art Museum. “Después del éxito de la muestra de Alexander McQueen en el Metropolitan Museum of Art, todos los museos quisieron organizar exposiciones de moda. También el American Folk Art Museum, espacio que acoge arte folclórico, arte naif y popular generalmente vinculado a piezas creadas por los primeros colonos que llegaron a Estados Unidos”, cuenta.

“También arte creado por artistas autodidactas y/o outsiders, es decir, creadores que no cuentan con una formacion artistica académica o que han hecho arte en condiciones vulnerables, como cárceles y hospitales. Muchos de ellos nunca exhibieron sus obras en el circuito de galerias y museos. Tal vez la mejor manera de traducir esta diversidad de expresiones a un término familiar para nosotros en Chile es arte popular”, agrega Alexis Carreño sobre la colección de ese museo.

Finalmente, el académico del Departamento de Artes Visuales fue elegido para trabajar como curador invitado de la que exhibición Folk Couture: Fashion and Folk Art, muestra que reunió los trajes que trece diseñadores de moda que viven en Nueva York crearon a partir de cien piezas seleccionadas de la colección del American Folk Art Museum. “El museo se interesó en mí por mi formación como artista, mis estudios en teoría de género y mi investigación de entonces, que era sobre la muestra de Alexander McQueen”, dice Carreño, quien, una vez seleccionado como curador, se dedicó “a observar las colecciones que se presentaron en la Semana de la Moda en Nueva York para determinar qué diseñadores podían funcionar en esta muestra”, recuerda este artista que trabajó en la selección de piezas con la curadora en jefe del American Folk Art Museum, Stacy C. Hollander; y, con Valerie Steele en la lista final de diseñadores invitados.

¿Cuáles fueron los criterios que utilizaste para decidir a quiénes invitarías?

En primer lugar, diseñadores que mostraran interés en el mundo del arte y que eso se viera reflejado en sus colecciones. También quería contrastar a diseñadores que fueran experimentales con otros que fueran totalmente comerciales, porque me parecía interesante explorar esa tensión y exponer esas diferencias en la exhibición. Es que encontré fascinante la idea de que dos ‘outsiders’ de la historia del arte,  la moda y el arte popular, se exhibieran juntos en el contexto de un museo de arte. Y fue justamente a partir de esa experiencia que ahora estoy trabajando la relación entre arte y moda, y viendo por qué tanto la moda como el arte popular han tenido este lugar secundario en las narrativas del arte occidental.

¿Cómo parte de tu investigación doctoral?

Sí. La investigación está completamente enfocada en lo que hice en el American Folk Art Museum. De hecho, parte de la disertación tiene que ver con lo que pasó durante el proyecto, porque tuvimos que seleccionar cien piezas de la colección para que los diseñadores eligieran las que serían su inspiración. Y cuando ya estaban seguros, empezaron las visitas que yo hice a sus respectivos estudios durante seis meses, para ver qué estaban haciendo y cómo estaban interpretando las piezas seleccionadas. Fueron conversaciones bien innovadoras entre la moda y el arte popular ya que tratamos estas disciplinas con el mismo status y rigor de las bellas artes. Y eso también se trasladó al diseño de exhibición de la muestra. Es decir, los trajes se mostraron como obras de arte junto a las piezas del museo que las inspiraron. Y la exposición fue comentada tanto en secciones de arte como en secciones de moda, lo cual demuestra que Folk Couture transitó exitosamente entre estos dos mundos.

A su arribo a Chile, Alexis Carreño se incorporó como académico del Taller de Arte Textil que dirigen las profesoras Paola Moreno y Constanza Urrutia en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chile. “Creo que no podría haber llegado a un lugar mejor. He estado participando en las correcciones de este Taller que contempla un módulo sobre Diseño, arte y moda. Mi incorporación al taller ha sido muy natural”, concluyó el artista.

Últimas noticias

Estreno de Poly Rodríguez en GAM:

Prof. Poly Rodríguez estrena obra de danza "Membrana" en el GAM

Seis bailarinas componen el elenco de "Membrana", una pieza de danza contemporánea que invita a reflexionar sobre el contacto humano y nuestra actual forma de relacionarnos entre personas y con otros seres. La obra, dirigida por Poly Rodríguez, académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes, tendrá funciones en GAM los viernes, sábados y domingos, del 6 al 28 de abril.

Una instancia abierta a toda la comunidad:

Coloquio reflexiona en torno a los actuales procesos históricos

"El tiempo más allá de la historia" se tituló esta jornada académica interdisciplinaria que reunió a académicos de la Universidad de Chile y la Universidad de Bielefeld, Alemania, además de egresados/as del Magíster en Teoría e Historia del Arte y estudiantes del Doctorado en Filosofía, con mención en Estética y Teoría del Arte, en torno a la pregunta por el devenir de los acontecimientos cuando el patrón narrativo –que constituía el fundamento de los "grandes relatos”, como el progreso o la emancipación– parece encontrarse en crisis.

Sala Juan Egenau: muestra pictórica interpela la linealidad de la mirada y la experiencia

SJE: muestra pictórica aborda linealidad de la mirada y experiencia

Un nuevo ciclo de exposiciones llega este 2024 a la Sala Juan Egenau del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, en donde se presentarán doce exhibiciones durante el año. Inauguran este ciclo los artistas visuales Pablo González Chamaca y Boris Jimenez Figueroa, quienes a través de una serie de pinturas dan vida a la exposición "Visión de Campo: Cartografía y Perspectivas del Terreno" que se presentará desde el 3 al 18 de abril.