“Escuché decir a unos jóvenes que el arte político está de moda. Que es tendencia en el mundo del arte. Nada más lejos de la realidad. El arte siempre ha sido político, incluso en sus expresiones más ociosas”, comenzó afirmando el académico del DAV, Arturo Cariceo para contextualizar su última producción artística, Start-Up.
Una exposición virtual que estará disponible para visitar a partir del 31 de enero y que consiste en la exhibición de obras con estética de memes y toques de stories, a través de los cuales el artista visual busca reflexionar sobre cómo el mundo del arte es espejo de los aspectos técnicos e ideológicos de la sociedad, en particular la chilena, donde según él “la democracia se ha desfigurado y la realidad simplificado en pos del entretenimiento; donde nadie se pregunta por la postverdad, dando como resultado la realidad del ciudadano desinformado en tiempos de descrédito político, populismos y negacionismos”, enfatizó el profesor del DAV.
De esta forma Arturo Cariceo crea esta serie de obras en colaboración con el filósofo chileno Willy Thayer, el también crítico y curador español Fernando Castro Flórez y el politólogo español Miguel Romera, además de los artistas Patricio Kind asumiendo el rol de curador y Jaime San Martín, a cargo de la producción-museografía, para dar cuenta de que los jóvenes artistas al involucrar su trabajo con la contingencia, lo que están haciendo es participar del lado más tradicional del arte, remontándose tanto a lo hecho en las sociedades preindustriales, como en las industriales y postindustriales.
“Este desconocimiento sobre las fuentes teóricas, históricas y empíricas sobre el desarrollo y devenir del arte, me recordó la cultura del mundo de los emprendores locales con las “start-up”, armando negocios “innovadores” con “capitales de riesgo” que juegan con la dimensión emocional del consumidor, evitando llegar a un break-event point, o sea, vendida a los peces gordos antes de consolidarse”, acotó el artista visual.
De allí que la muestra se denomine Start-Up, haciendo referencia al oportunismo artístico de producir en función de tendencias, lo que para Cariceo tiene mucho de la lógica de las llamadas “stars-up”.
¿De qué forma se plasma en las obras exhibidas la crítica que planteas sobre la política en el arte, la democracia simplificada y la falta de reflexión sobre la postverdad?
Primero hay que considerar que mis obras expuestas el año pasado, tomaron la forma de las exposiciones que son tendencia en el mundo del arte y que muchos consideran experimentales o contraculturales, sin serlo. Acentuar esto último era lo importante. Lo siguiente era explorar lo que contienen las exposiciones con dichas pretensiones, cuestión a la que está abocada mi actual muestra. Me refiero a la “dictadura del tema”, impuesta por la dinámica de los artistas, curadores, galeristas, directores de museo y aficionados, descuidando aspectos expográficos en particular y logísticos en general. Esto ocurre por una parte, pero también es un desdén que se complementa con la manía de muchos de adentrarse en temas políticos descuidando lo estrictamente artístico e ignorando, de paso, que el arte siempre ha sido político, incluso en sus expresiones más ociosas.
Esto queda plasmado en Start-Up de manera iconológica. El método compositivo de mis Obras Invisibles es el propio de la iconología. Es una obra anamnésica, que evoca o invoca otras imágenes, en afinidad o suscitando relaciones.
- ¿Esta vez expones algo “tangible” o visible, por qué le sigues llamando “Obra Invisible”?
Tengo la impresión que toda expresión creativa afín al arte conceptual es carne de troleos, fuera y dentro de las redes sociales. Y es una bronca irracional porque fue este tipo de arte el que instaló lo que todos hacen habitualmente en línea: crear contenidos, léase, acentuar la concepción sobre el resultado. Respecto a la tangibilidad de esta exposición, lo es de un modo u otro, porque todo lo que hago es deudor del conceptualismo artístico, una tradición -ya clásica- que está vinculada al desentendimiento del objeto en favor del proceso. En todo caso, llamo “invisible” a mi quehacer porque responde a un decálogo con reglas para hacer invisible a las obras de arte, siendo además el nombre “Obra Invisible”, un irónico juego de palabras con el concepto “Mano Invisible”, acuñado por el economista Adam Smith y recuperado por Milton Friedman, uno de los intelectuales del neoliberalismo junto a Friedrich Hayek.
La palabra “invisible” aparece como una figura al mismo tiempo alegórica y metodológica, del hacer arte en Chile, en su firmamento neoliberal. En realidad, lo invisible reviste un doble aspecto: la observación de las formas y efectos de las reformas economicistas en nuestra sociedad y la relación instrumental entre economía y cultura contenida en la definición institucionalizada de las industrias culturales. No es casual que tuviera que crear (en 1987) una galería (donde ahora expongo Start-Up) para evitar el control temático y la vigilancia formal de lo que hago. Una Obra Invisible no exalta las emociones sino invita iconológicamente a ver lo exhibido, a decodificar y resaltar los aspectos objetivos de lo hecho comparecer como artístico. Todo lo opuesto a la “posverdad”, las llamadas mentiras emotivas, donde la opinión vale más que los hechos.
- ¿Cómo es esto de incorporar la "estética de memes" y por qué aludes a esa forma de expresión?
Incorporé la estética de los memes en mis obras como formas de externalizar “unidades culturales” (como el biólogo Richard Dawkins, inventor del término, enseña) de la era post-internet, en cuya iconología habita el concepto “meme” no previsto por Dawkins, en las redes sociales: chiste rápido y desechable. Collage con imágenes textuales, visuales y sonoras, un cortar y pegar disparatado que aparece y desaparece a una velocidad muy rápida.
Lo que expongo es lo que detecté a temprana edad, que los artistas chilenos ven lo que los teóricos les dicen. Los artistas visuales paradójicamente no observan, solo escuchan. Repiten como loros lo escuchado y producen con cierto complejo de inferioridad porque trabajan con imágenes y no con “ideas”. Yo me rebelé a ese hábito, bastante provinciano, nunca me sentí “tonto como un pintor” (un mote histórico), ni entendí la producción artística como mecanismo ejemplificador de otros saberes. Me apropio de los “memes” porque son formas devaluadas para el mundo de arte, no tanto por los contenidos, sino por su calidad material: la de ser un simple jotapegé o gif, un soporte irreductible a valor de uso y cambio, o insignificante en su visibilidad en pantalla.
- ¿Qué es lo que reflejan estas obras-memes?
Que parecen bromas locales, causando gracia al usuario que maneje el alcance del chiste. En esta exposición no está “Slender Man” ni modifico memes populares con perros y gatos, tampoco hago alusiones a 4chan ni Richard Dawkins, pero están latentes.
Mis tres “memes” fueron construidos con imágenes encontradas en Internet, mejor dicho buscadas en la web. Se trata de “malas” fotografías realizadas por turistas paseando por los museos. Malas en el sentido de que las obras no se ven bien por el ángulo de la cámara, el dañino rebote de la luz del flash sobre la pintura o la inclinación del punto de vista por el reflejo del vidrio protector. Sin embargo, estos defectos se relativizan cuando las deficiencias formales observadas son contrastadas con el valor documental que poseen, por su carácter de testimonio emocional y las capas de contenido sociológico que portan. Estas dimensiones poseen su propia estética, estando entre la instantánea familiar y el fotoperiodismo, las que hice propias. En la verosimilitud buscada también están presente los cuadros de Jacques Louis David, el pintor de la Revolución Francesa. Estas pinturas son los protagonistas de los memes. Fueron elegidos porque son cuadros-fetiche, que han perdido su carácter provocador -o se encuentran dormidos- al ser reducido a decoración por exceso de namedropping. Modifiqué dichas fotografías, es decir, hice un trabajo de postproducción para luego incorporar la estética viral de los “memes”, aquellas imágenes de la web que reciclan e intervienen los usuarios de Internet para expresar ideas, estados de ánimo y dinámicas culturales.
- ¿Cuál fue el rol en la producción de obra de los tres filósofos?
Es habitual entre los artistas encargar textos sobre sus obras a historiadores, sociólogos y filósofos, en calidad de críticos o ensayistas. No es mi caso, porque escribo regularmente sobre mi quehacer, un hábito que fue fomentado en mi adolescencia por los artistas Ramón Vergara Grez y Alberto Pérez Martínez. Lo que sí es habitual en mi quehacer es crear junto a intelectuales, invitarlos a ser coautores de las obras que luego son expuestas. Han sido las correrías compartidas con los filósofos Pablo Oyarzún, Fernando Castro Flórez, Miguel Romera y Ernesto Castro, amigos y cómplices con quienes he creado varias Obras Invisibles. Willy Thayer es uno de los filósofos chilenos que más me interesa, también es un amigo con el que tenía pendiente hacer cosas artísticas. Y “Start-Up” es la ocasión, donde también participan Fernando y Miguel. La exposición en línea está integrada por tres “memes”, intervenidos por los tres filósofos de modos distintos: Fernando Castro como letrista de un trap, Willy Thayer realizando una ponencia en modo ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response) y Miguel Romera traduciendo en clave politológica la canción “Malamente”.
Así en Start-Up junto con la estética de los memes, lo expuesto hace guiños irónicos a la banda sonora del momento, el trap, como en su momento lo hice versionando a Walter Benjamin en clave rap o a releyendo a Nietzche en clave reggaeton. La exposición además tiene la curaduría de Patricio Kind, uno de los comisarios revelación del arte chileno tras su muestra “Dobles de Proximidad” en el MAC.
La exposición Start-Up estará en línea desde el 31 de enero, sin fecha de cierre y cada semana de febrero se irá sumando una obra. La muestra puede visitarse en la siguiente url: http://www.cariceo.uchile.cl/discos/_start_up
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